Chema Madoz es un reconocido fotógrafo español nacido en Madrid, al que en el año 2000 le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado numerosas exposiciones de fotografía tanto en España como en el extranjero y destacan sus trabajos surrealistas en blanco y negro. Su obra recoge imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación, en los que la perspectiva y las texturas tejen sus imágenes.
Premios destacados:
- Premio Kodak España (1991)
- Premio Higasikawa Overseas Photographer del Higasikawa PhotoFestival Japón (2000)
- Premio PhotoEspaña (2000)
- Premio Nacional de Fotografía (2000)
No hace paisajes, ni fotos de belleza, simplemente crea elementos. En sus fotos tienes que mirar dos veces: una para ver lo que crees ver y otra para entender los elementos que hay en la imagen. Por lo tanto con Chema Madoz nada es lo que parece. Para ver la belleza de sus fotografías hay que pararse a mirar, observar cada detalle e intentar entender lo que ha hecho porque te hará disfrutar mucho de cada una de ellas.
Os dejamos algunas de sus maravillosas fotografías:
-Steve Winter
Lo que más llama la atención de este fotógrafo son sus increíbles fotografías de animales. Ha ganado múltiples premios, entre ellos el de la BBC: mejor fotógrafo del año dedicado a la vida salvaje. Se requiere una enorme paciencia para encontrar el momento adecuado para poder fotografiar de forma correcta a estos animales. Winter lleva este estilo a un escalón por encima, captando incluso expresiones y momentos poco habituales en este tipo de fotografía.
-Declan McCullagh
Sus fotos han aparecido en publicaciones como: The New York Times, Los Angeles Times, GQ, Scientific American, la revista Business 2.0, la revista Gear, la revista Premiere, y otras decenas. También han sido elegidas para informes anuales, carátulas de CD, portadas de libros, y se han mostrado en la televisión.
-Trey Ratcliff
La especialidad de Trey son las fotos en HDR, de alto rango dinámico (High Dynamic Range). Aunque este tipo de arte no es muy realista, es fascinante de una manera completamente diferente. Trey combina varias fotos con diferentes tiempos de exposición, para poder resaltar todas las luces y sombras, ampliando el rango dinámico. Su obra es muy singular y ha viajado por todo el mundo (Nueva York, Italia, Canadá, Islandia, Rusia, Ucrania, etc.)
- Damon Winter
Este fotógrafo, que trabaja para el New York Times, ha ganado el premio al mejor fotógrafo de prensa 2011 y un premio Pulitzer en 2009.
-Scott Stulberg
Scott tiene una página web de fotografía digna de ser vista. No es habitual criticar el diseño del sitio en concreto, pero diría que este es uno de los mejores ejemplos de lo que debería ser una buena galería de imágenes. El único problema es que esta web no está muy optimizada para los motores de búsqueda, con lo cual no es muy fácil de encontrar.
-Toby Keller
Keller se ha especializado en fotos nocturnas, de larga exposición. Son especialmente notorias sus fotografías marinas, debido a que consigue reproducir colores muy ricos y vibrantes. Toby es un artista increíblemente creativo y su cuaderno de fotos de viajes es impresionante.
- David Pullum
David Pullum es uno de los mejores fotógrafos de bodas. Fue nominado al premio: los 10 mejores fotógrafos de bodas de Reino Unido. Sus fotos no se limitan a reflejar cómo se ven las cosas, sino que son capaces de captar sentimientos, emociones que gracias a él perdurarán más allá del recuerdo. Sus fotografías cuentan una historia más allá de lo visible, consiguen transmitir una explosión de magia y felicidad. Si lo que buscas es una versión diferente a los convencionalismos típicos de este tipo de fotos, este es tu fotógrafo.
- Mike Murphy
Una de las especialidades de Mike es la fotografía de alta velocidad en el agua y la macro fotografía. También es un artista digital.
-G.M.B Akas
G.M.B Akash es un fotógrafo famoso de Bangladesh que ha recibido más de 35 premios internacionales. Centra su atención en la gente viviendo dentro de sus sociedades: refleja sus expresiones, sus vidas y su entorno. Tiene una forma de comunicar las experiencias de forma que cambia nuestra propia realidad, lo que convierte a sus imágenes en obras de arte que te llegan al alma. Dijo en una ocasión: “ Hoy, me siento orgulloso de ser fotógrafo. Ser capaz de articular las experiencias de aquellos que no tienen voz, para darles identidad, le da un significado y un propósito a mi vida"
-Nick Brandt
Este increíble fotógrafo de vida salvaje en blanco y negro utiliza sobre todo teleobjetivo y lentes de gran angular. Podríamos describir sus fotografías como: misteriosas, poderosas, íntimas, épicas y emocionantes.
Nick Woodman eligió un mal año para lanzar una empresa de marketing online (2000). La burbuja de las puntocom le estalló y su proyecto Funbug, se desinfló con ella. Arruinado, este licenciado en Bellas Artes por la Universidad de California decidió hacer lo que más le gustaba en la vida: surfear. De hecho, eligió esa universidad porque las olas estaban cerca.
Woodman tras un viaje de surf en Australia e Indonesia, utilizó una cámara de 35mm sujeta a la palma de su mano por una banda de goma para probar y capturar sus actividades en película. Viendo que a fotógrafos amateurs como él, que quiso capturar fotos en acción de sus actividades con calidad, tenían dificultades porque no podrían acercarse a la acción o eran incapaces de adquirir equipamiento de calidad a precios asequibles. Su viaje se convirtió en su inspiración para fundar GoPro. Su solución era para desarrollar un cinturón que sujetaría la cámara al cuerpo.
En 2002, tras varios viajes por Indonesia y Australia, se dio cuenta de la enorme dificultad que sus colegas surfistas tenían para fotografiar sus movimientos en el agua. Así que en Australia, mientras esperaba por “la ola perfecta” fabricó un primitivo soporte para su muñeca donde se enganchaba una pequeña réflex marca Kodak. Aquel invento, tan rudimentario solo fue el comienzo de una idea tan simple como revolucionaria. En origen, Woodman quería crear un tipo de cámara que sirviese a los surfistas para mostrar sus hazañas sobre las olas, pero pronto comprendió que el recorrido de la tecnología era mayor. Podría aplicarse en cualquier deporte extremo; además, en el mercado no existía nada parecido. Tan seguro estaba del valor de su idea que llegó a decirle a sus amigos que se haría multimillonario gracias a las cámaras. Tardó un año en crear la primera versión comercial de GoPro, que él mismo diseñó a partir de un prototipo para cuya fabricación usó la máquina de coser de su madre y un taladro, trabajando una media de 18 horas al día. Su primer modelo estaba basado todavía en cámaras de 35 mm que importaba desde China, a las que después tuneaba, con enganches, al principio solo para tablas de surf, para vender por treinta dólares.
Una vez sus primeras cámaras empezaban a venderse entre sus amistades del mundo del surf, Nick Woodman comezó a recorrer todas las ferias deportivas del país en su Volkswagen. Fue así como logró colocar la primera remesa de GoPro en un evento deportivo celebrado en San Diego, en 2004. Al año siguiente, facturó 350.000 dólares gracias a la distribución de sus cámaras en las tiendas de deporte especializadas.
Nick Woodman eligió un mal año para lanzar una empresa de marketing online (2000). La burbuja de las puntocom le estalló y su proyecto Funbug, se desinfló con ella. Arruinado, este licenciado en Bellas Artes por la Universidad de California decidió hacer lo que más le gustaba en la vida: surfear. De hecho, eligió esa universidad porque las olas estaban cerca.
En este tipo de trabajo el profesional debe conocer las técnicas para disimular las imperfecciones del rostro, ya que las fotografías en primer plano hace que todo resalte, ya que la cámara aplana el rostro, por lo tanto hay que resaltar y definir los ojos, mandíbulas marcadas, bocas simétricas y pómulos altos.
En estas fotografías blanco y negro la intensidad del color se reproducen en tonos de gris, por eso se debe pensar para ello que los diferentes tonos de grises son los que van a componer el retrato, por ej. los labios rojos intensos se verán casi negros, los rosa-marrones, gris medio.
Es aconsejable aplicar una base un tono más claro de la piel de la modelo, esto hará que la piel se vea en un tono gris muy claro, debemos asegurarnos de maquillar todo lo que salga en la foto, orejas, nacimiento del cabello, escote, cuello, ya que por el contrario se vería un tono diferente al del rostro, es importante controlar las asimetrías en las correcciones oscura, pómulos y coloretes, ya que si no se verían como unas manchas, los ojos deben maquillarse en tonalidades que hagan contrastes, los azules da tonos grises más oscuros, los rosas más claros, el delineado en negro pero bien difuminado para que no se vea tan marcado, las cejas en marrón, el colorete en la parte inferior del pómulo sin salirse.
En este maquillaje los productos en general deben ser cubrientes y mates.
Los fondos de maquillaje deben ser naturales o un tono más claro que el tono de la piel, porque luego el color tendrá una traducción a un gris clarito, con un acabado más limpio y haciendo que resalten los rasgos faciales, mientras que una base oscura tendrá una traducción a un gris oscuro, resultando un acabado más sucio y menos contrastado. Las líneas de ojos, sombras, colorete, labios y correcciones bastante marcados, y diferenciando bien los tonos claros y oscuros, para conseguir diferentes matices de grises y que no resulte una cara plana y sin volumen.
Para fotografía podemos utilizar varias tonalidades de fondo para remodelar el rostro.
Para los ojos se pueden utilizar cualquier color, teniendo en cuenta que todos se traducen a grises, por lo que hay que tener en cuenta la saturación de color y hacer bastante contraste entre los claros y oscuros. No es necesario seguir una armonía de color, pero sí hay que recordar que dos coloretes de la misma intensidad se verían del mismo tono de gris sin dar ningún contraste. Admite una mayor intensidad en colores, pues ofrece menos precisión en la imagen que en color.
Deberemos evitar los colores muy rojos o muy azulados, porque se traducirán en grises muy oscuros.
En el colorete jugaremos con tonos claros y oscuros, para intentar dar volumen o quitarlo. Nunca aplicaremos un colorete muy oscuro en el pómulo, pues veríamos una raya gris.
En los labios evitaremos colores excesivamente claros, pues su traducción sería un gris claro y al quedar igualado al tono de la piel, quedaría anulado.
Cuidado con la utilización de negro y blanco puro, pues el resultado es una imagen muy dura.
Es importante diferenciar entre varios tipos de iluminación. El SPF rebota la luz en la piel cuando se lanza un flash, como por ejemplo unos focos de estudio, o cuando se sacan fotos sin flash, la piel reflejaría su color real. Los focos van a absorber dos tonos de luz como mínimo por lo que es recomendable aumentar la tonalidad de los colores.
El maquillaje para una sesión fotográfica debe ser ligeramente más pronunciado que el básico que usamos para salir a la calle, debido a la intensidad de la luz dada por los focos.
La base tiene que ser mate, sin brillos en la cara. Las cejas ayudan a realzar la mirada, con lo que se recomienda que estén bien dibujadas, ya que de esta forma se define la expresión de la cara. Si aplicas abundante máscara de pestañas, los ojos lucirán más grandes y expresivos.
Para definir la boca se usan lápices de labios, aunque si la cara es pequeña no hay que exagerar el maquillaje de la boca. Se evitan los lápices de labios muy claros porque no fotografían bien.
La iluminación resulta fundamental en una sesión fotográfica. En los retratos en primer plano, las luces tienen que estar orientadas para resaltar los tonos, brillos y texturas de los maquillajes. Por eso, en este tipo de fotografías se requiere un alto nivel de profesionalidad.
Las fotos tomadas de noche presentan tonos amarillentos, al igual que las que se realizan con luz artificial. Se recomienda usar tonos rosados, ya que balancean el color.
La altura y la dirección desde la que luz incida sobre una escena tiene una influencia decisiva en su aspecto, la dirección de la luz tiene un efecto psicológico. Las escenas naturales suelen estar iluminada desde arriba. Hay seis situación de iluminación que producen distintos efectos.
- Iluminación frontal
La luz llega directamente al sujeto, desde delante, no produce sombras visibles desde la posición de la cámara.
- Iluminación lateral
La luz llega a un lado del sujeto, iluminando un lado claramente y dejando el otro lado en completa oscuridad.
- Iluminación de 3/4
La luz es una combinación de la luz iluminación frontal y lateral.
- Iluminación desde atrás (Contraluz)
La iluminación se procede detrás del sujeto, ocultando por completo el detalle.
Las sombras proyectadas por un sujeto iluminado no siempre tiene los bordes nítidos, sino con frecuencia se desvanece y contrastan poco con las zonas iluminadas.
La dureza o suavidad de las sombras, son indicadores de la calidad de la luz, esta depende del tamaña de la fuente y de la distancia del objeto.
- Luz dura
Esta iluminación aporta a las sobras contornos nítidos y bien marcados. Tipo de luz idóneo para destacar texturas, formas...
- Luz semidifusa
Las sombras siguen estando definidas, pero ta no tiene los bordes tan nítidos y, existiendo una transición mas o menos amplia entre la luz y la sombra. Esta luz hace visible el volumen y la textura, pero sin gran contraste.
- Luz suave
Apenas de sombras, dando una gran definición de los detalles, si bien la textura es pobre.
Es la distancia entre los sujetos más próximos y más lejanos que pueden ser impresionados simultáneamente con nitidez aceptable.
* Factores que determinan la profundidad de campo:
- Apertura del diafragma: A mayor apertura menor profundidad de campo y a menor apertura, mayor profundidad de campo.
- Distancia del enfoque: la profundidad de campo es crítica a distancias cortas.
- Distancia focal del objetivo: a mayor distancia focal, menor profundidad de campo y a menor distancia focal, mayor profundidad de campo.
* Cálculo de la profundidad de campo:
- Acondicionamiento del diafragma: el diafragma sólo se cierra al "f" escogido cuando presionamos el botón disparados.
- Escala de la profundidad de campo: junto al anillo de enfoque, nos indica la profundidad de campo en función de la distancia de enfoque y de la apertura "f".
* Círculos de confusión:
- Los rayos de luz convergentes forman un cono con base en la lente y vértice en la película (es el punto focal). Este vértice debería ser un punto, pero en la práctica es un pequeño círculo luminoso, llamado círculo de confusión.
- El diámetro de los círculos de confusión determina que una imagen la aceptamos como nítida o como borrosa.
* Distancia hiperfocal: - Punto hiperfocal: es el punto más cercano que indica la profundidad de campo, cuando se enfoca a infinito.
- Distancia hiperfocal: distancia entre el objetivo y el punto hiperfocal.
- Se utiliza para obtener la máxima profundidad de campo posible: cuando se enfoca al punto hiperfocal se gana en profundidad de campo la mitad de la distancia hiperfocal.
Se usa en las composiciones de imágenes con personas (retratos). Nos indica que cuando realizamos una fotografía a una persona debemos dejar un espacio hacia donde se dirige la mirada. No se trata de fotografiar a una persona y al objeto al que mira, si no de dejar un espacio, aunque esté totalmente vacío o desenfocado. La mirada tendrá la suficiente fuerza para crear interés en ese vacío y hacer pensar al espectador (se trata de eso, de captar interés).
La regla de la mirada no se aplica solo a retratos, sino que consiste en jugar con los espacios y también la podemos usar en objetos. Por ejemplo un coche que circula en una dirección. Si dejamos espacio en esa dirección expresamos un movimiento de aproximación del coche hacia esa dirección, pero si el espacio lo dejamos en la dirección contraria, expresamos que el coche se está alejando del lugar.
Es una de las reglas más básicas de composición fotográfica y el primer recurso compositivo que uno aprende en fotografía, probablemente el primero en aprenderse por lo sencillo de aplicar a la vez que efectivo.
Consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas lineas fijan los puntos adecuados para situar el punto o los puntos de interés de la foto, alejando este del centro de la imagen. Cada uno de estos cuatro puntos se llaman "puntos fuertes".
Cuando estamos haciendo una foto, si existe un único punto de interés, lo situamos en uno de los cuatro puntos fuertes de la fotografía, en lugar de hacerlo en el centro de la imagen, ya que esto suele atraer más la atención del espectador y la fotografía queda más vistosa.
Si tuviéramos varios puntos de interés sería conveniente buscar dos de los puntos fuertes que sean opuestos y formen una diagonal en la foto.
Dependiendo del angulo de de perspectiva fotográfica conseguiremos una tipo de angulo
Ángulo Normal
Éste es el ángulo habitual con el que fotografiamos, se caracteriza por establecer una línea entre cámara y objeto fotografiado paralela al suelo, proporciona una sensación de estabilidad y tranquilidad, precisamente derivada de originarse a partir de una posición con la que solemos no sólo fotografiar, sino también observar el mundo.
Ángulo Picado
Este ángulo se produce cuando la cámara se sitúa en un plano superior al objeto fotografiado.
Precisamente esta posición superior también conlleva una situación de inferioridad, vulnerabilidad o debilidad del objeto dentro de la fotografía.
Ángulo Cenital
El punto de situarse en la perpendicular al suelo por encima del sujeto fotografiado, entonces hablamos de ángulo cenital, se trata un ángulo que incrementa aún más, si cabe, la sensación de inferioridad. Por otro lado, con el cenital abrimos un poco más el campo y mostramos también el contexto que lo rodea.
Ángulo Contrapicado
Si el ángulo picado se consigue situando la cámara por encima del sujeto, el contrapicado lo logramos situando la cámara en una posición inferior al objeto a fotografiar.
Con este ángulo dotamos al objeto fotografiado de mayor importancia, superioridad, magestuosidad y, sobre todo, de una posición dominante frente al observador.
Ángulo Nadir
Si la situación de inferioridad de la cámara frente al objeto a fotografiar la llevas al extremo, consigues el denominado ángulo nadir. La cámara se sitúa prácticamente en la perpendicular que une objeto fotografiado y cielo.
Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del contrapicado, poniendo al que observa la fotografía en la piel de una "hormiga" para la que todo es enorme y "amenazador".
1. Horizontal. También denominado apaisado por ser el formato más habitual para capturar paisajes. Es el formato más común y se suele decir que produce sentimiento de serenidad y espacio, estabilidad y dirección.
2. Vertical.(Formato retrato), es el más adecuado para los retratos de medio cuerpo. Produce sentimiento de fuerza y enfatiza las líneas y planos verticales.
3. Cuadrado. Es un formato más estático y mucho más limitado. No es propio de la fotografía digital, sino que viene de las películas instantáneas Polaroid y de las películas de 6×6 para cámaras analógicas de formato medio.
4. Panorámico. Es un formato impactante en paisajes tanto naturales como urbanos y, a pesar de su historia y tradición, sigue resultando original.
